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La Educación Prohibida: (pelicula-documental)

POR LA EDUCACION LIBRE!!!!

Y POR UN MUNDO DIFERENTE!!!

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Conferencias Eva Moraga:

Ciclo de conferencias "De estudiante de Bellas Artes a profesional", por Eva Moraga

11 y 12 Junio 2012

Unas conferencias muy intensas y llenas de terminología legal bastante cruda de digerir... Pero muy muy interesantes, todo lo que siempre se necesita saber y nadie te explica, porque hacer Bellas Artes no es sólamente ir a la facultad, si no que hay vida fuera de ella...

Comentario Inteligencias Múltiples:

Programa Redes nº114,

De las inteligencias múltiples a la educación personalizada:

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La irrupción de las nuevas tecnologías

nos obliga a educar a los niños

de una manera distinta.

Howard Gardner 

Howard Gardner revolucionó la psicología con su teoría de las inteligencias múltiples, la cual repercutió en el sistema educativo con una nueva manera y personalizada de educación.

Según Gardner, lo único que hizo fue cambiar la palabra talento por inteligencia. Porque todos tenemos multiplicidad de talentos diferentes que nos permiten tener más habilidad para unas cosas u otras, y Gardner le atribuyó el término inteligencia a esos talentos. Describe entonces 8 inteligencias mútliples básicas:

Según el pensamiento occidental, se creía que sólamente existe una inteligencia que abarca todo, y que se medía con el test del coeficiente intelectual y su resultado único. Si el resultado era bueno, eras bueno en todo, y si el resultado era malo, asumías que eras un fracaso. Éste es un estigma social con el que hay que romper. Porque todos somos diferentes, y a cada uno se nos dan bien unas cosas, y a otros otras. Como se decía en el programa Los secretos de la creatividad, cada persona debe encontrar el elemento que sea afín a su propia naturaleza.

Al contrario ocurre en Asia, donde prestan más importancia al esfuerzo. Lo realmente importante es lo que elegimos hacer, nuestro elemento, y el esfuerzo que ponemos en ello, la pasión.

Hace 20 años, cuando Gardner propuso su teoría, la enseñanza personaliza parecía una utopía. Pero hoy en día, con la revolución digital, ésto es posible. Se puede descubrir cómo aprende una persona y sus pasiones. Los maestros se convierten en guías y observadores de cada alumno, más que ser un dios que todo lo sabe y tiene que enseñarlo.

En mi opinión, este sistema es totalmente acertado ya que proporcionará a cada persona las herramientas que necesita para crecer, aprender y desarrollarse, de manera que el día de mañana sepa cómo enfrentarse al mundo real, en el que existen millones de obstáculos más, que no son un porblema de matemáticas o una redacción de lengua.

El sistema educativo ha cambiado más en las últimas décadas

que en los siglos anteriores.

Howard Gardner 

Comentario Los Secretos de la Creatividad:

Programa Redes nº89,

Los Secretos de la Creatividad:

La creatividad se aprende

igual que se aprende a leer.

Ken Robinson

Ver programa

Ken Robinson es autor del libro: 

El elemento: cómo encontrar tu pasión, puede cambiarlo todo.

La primera conclusión de la entrevista que le hace Punset, es que cada persona debe encontrar su elemento y mantenerse en él. Encontrar lo que nos fascina, lo que no nos cuesta trabajo hacer y lo encontramos natural.

Por ejemplo, si desde pequeñito un niño no para de coger lápices y bolis, y dibujar y pitar en todo soporte que le parece bien, incluidas las paredes, los padres deben ser observadores y notar que ese niño siente una clara inclinación por la pintura. Entonces, en vez de regañarle y decirle que deje de una vez de pintar sobre la pared, deberían animarlo y potenciar su don innato apuntándole a clases de pintura.

La segunda es que una vez encontrado nuestro elemento, debemos realizar las cosas con pasión, con esfuerzo y disciplina. Sólo así conseguiremos el triunfo y la satisfacción de hacer las cosas bien y por gusto.

Por ejemplo, el niño de antes, a medida que va creciendo y que cada vez le gusta más la pintura, no vale sólo con que le guste. También debe esforzarse en aprender a usar los pinceles, a mezclar el color, a probar diferentes técnicas, etc. Debe poner empeño para lograr lo que se propone, y pasión al pintar sus cuadros para que éstos sean interesantes.

Ahora bien, la creatividad supone poner la imaginación a trabajar y, seremos más creativos en cuanto más cómodos nos sintamos con los elementos con los que trabajamos. Debemos controlarlos para poder ir más allá y poder realizar nuestros proyectos satisfactoriamente.

El jóven que ya es un gran pintor, podrá desarrollar su creatividad más ampliamente, si controla todas las técnicas, si es capaz de dominar el pincel para plasmar una nueva idea que ha tenido. Cuánto mejor domine la técnica, más creativo podrá ser porque será capaz de hacer todo lo que se le pase por la cabeza.

Pero la creatividad no sólo se encuentra en pintores, músicos o escritores, como mucha gente piensa. Todas, todas las personas pueden ser creativas, y no importa el campo en el que trabajen, ya sean científicos o médicos. Cualquier persona tiene creatividad en su interior, solamente hace falta que la saque al exterior.

Y además de todo esto, también entra en juego el arriesgar. Si no arriesgamos, ni tropezamos, ni nos caemos, nunca podremos avanzar. Porque en la vida no todo cae del cielo, y tenemos que ser nosotros los que consigamos las cosas con nuestro esfuerzo.

Si puedes crear tu vida, puedes recrearla.

Todos tenemos talento si sabemos descubrirlo.

Ken Robinson

Comentario Manuel Rivera:

Exposición de Manuel Rivera, de Granada a Nueva York, 1946-1960:

Centro José Guerrero, Granada

Al igual que nuestro aspecto físico cambia a lo largo de los años, también nuestra obra y estilo cambian y evolucionan a lo largo de nuestra vida.


En la exposición de Manuel Rivera, se puede observar claramente esta evolución. El primer cuadro es un paisaje de Lanjarón, claramente figurativo y de carácter impresionista por la pincelada amplia:

Siguiendo con lo figurativo, empieza a abstraer las formas acercándose al cubismo, realizando su propia interpretación de la realidad. Como este cuadro de las calles del Albaycín de Granada. Continua indagando en la abstracción, donde se valora más la técnica que el significado. ¿Qué nos transmite el cuadro? Las vibraciones y tensiones, los colores y las formas son los protagonistas. Rivera llega a la abstracción después de haber pasado por la figuración: Con la llegada del Informalismo en Europa, y su integración dentro del grupo El Paso en la época de la posguerra española, comienza su historia de la experimentación. Rivera muestra una inquietud en la búsqueda de una nueva vía de expresión. Empieza integrando elementos al cuadro, como tierras y pigmentos, pero cuando descubre la malla metálica, crea un universo nuevo. El ensamblage y el collage son ahora sus medios de expresión: Evoluciona en esta técnica, jugando con la simbología de la malla, las transparencias, la superposición, los espacios, las sombras, el vacío, la monocromía, el contraste, el fondo que configura la malla, y el fondo que es la pared. Nace su serie Metamorfosis: Pero aun va más allá, integrando en la obra el color, marcos o tablones de madera, creando la noción de tridimensionalidad y acercándose a lo escultórico:

En definitiva, Rivera juega con el espectador, y el espectador juega con el cuadro. Se crea un vínculo entre artista-obra-espectador.

De entre todas sus obras, me quedo con la serie Metamorfosis. Es sutil, delicada y llena de siniestros y profundos misterios, como la obra literaria de Kafka que le dió origen.

Aparte de la exposición, este video me parece muy bonito y nostálgico por la tierra donde nos criamos. y quiero compartirlo:

Testamento Andaluz 1982

Comentario Markus Lüpertz:

Documental de Markus Lüpertz:

Lüpertz es pintor, escultor, músico y poeta. Es un personaje un tanto curioso y peculiar, y en este video de menos de un minuto se puede hacer una idea de cómo es:

En el documental vemos su proceso de trabajo (en pintura). Cómo evoluciona su obra en 3 días:

- 1er día:
Empieza 5 cuadros, en los que trabaja de 30 a 50 minutos en cada uno. Lüpertz lleva puesto un mono azul y unas botas militares negras. Comienza ensuciando las telas, con actos primitivos e intuitivos. Luego las recupera y las transforma. Mantiene un conflicto con el cuadro. El cuadro recién empezado son como heridas abiertas. Lüpertz pinta sobre hechos que ocurren en el día, sin un programa planeado con anterioridad.

- 2º día:
Lüpertz lleva una boina roja. Éste día se nota que tiene un estado de ánimo diferente, más positivo, y añade color al cuadro. Muestra en sus cuadros lo que siente cada día, y así éstos se van transformando.

- 3er día:
Lüpertz lleva un sombrero negro. Los gorros son muy simbólicos de sus sentimientos y también se relacionan con su pintura. Éste día está en penumbra, y tapa todo el cuadro con colores oscuros, (me hace pensar en artistas como Odilon Redon o Francis Bacon). Es muy energético, y literalmente se carga el lienzo en una completa lucha con él. Lo que le da el cuadro no le gusta y se pelea con él. Le habla, le dice cosas, mantiene un diálogo y una discusión, se establece un encuentro y un desencuentro, se pelea y hace las paces con él. Son momentos de contrastes que llevan a la pintura de un lado a otro hasta que las formas van adquiriendo un sentido.

Se le define como un imperfecto pintor académico. Es un virtuoso de la técnica, que bien o la usa, o la destruye, o juega con ella. Pinta muy deprisa, con impetuosidad y pasión, con inquietud y habilidad manual. Pinta para sorprenderse a sí mismo, intentando hacer algo siempre diferente. Según él, es inevitable recurrir a elementos del mundo cotidiano, y son de dónde parte, pero luego los destruye y siguiendo su mundo relacional, llega a conexiones con otras formas mucho más interesantes. Al igual que Jeff Koons, (aunque sus estilos sean completamente diferentes), las redes de pensamiento que ambos establecen parten de la cotidianidad y viajan a su mundo interior y subjetivo, plasmando en sus obras su particular visión del mundo. También podemos relacionarlo con Gregor Schneider, en cuanto a que ambos son comprometidos con su obra y son más intimistas.

Personalmente, me encanta esta obra:
El simbolismo del cuervo, las lineas negras tan expresivas, el contraste de dividir el cuadro en 2 zonas de color, gris y amarillo, ls forma redondeada de la izquierda y la cuadrada de la derecha... Me transmite placer y me cuenta muchas cosas.

Comentario La Casa Pintada:

Muestra colectiva de artistas, en la Sala Zaida de Fundación Caja Rural, Granada:

Acabo de ver esta exposición de artistas de La Casa Pintada (Linares). Me encanta como este grupo organizan cosas y de qué manera, "a su manera".

Blog La Casa Pintada

En la exposición hay obras de todo tipo, desde pinturas, fotografías, grabados, collage, dibujos, esculturas, arte en tela...

Destaco la pintura de Sandra Martín, con la que coincidi en la facultad de bellas artes de Cuenca. Me gustan mucho los colores que usa, y las formas redondeadas que conforman el cuerpo de la mujer. En directo la obra es impactante y llama la atención.

Blog Sandra Martin

Comentario Schneider / Koons:

Documentales sobre:

- GREGOR SCHNEIDER

- JEFF KOONS

Sobre los documentales que vimos en clase el martes 15... ¡mucho que pensar!

Dos artistas contemporáneos muy conocidos, muy dispares a la simple vista de sus obras, pero con un punto en común, al reflejar en ellas su mundo interior…

Las obras de Schneider están rodeadas de un halo de misterio. Parecen sacadas de una mente perversa, creando morbo y miedo a la vez. "House of horror" ("La casa muerta") es su propia casa convertida en obra artística. Ha modificado las habitaciones de tal manera que quedan insonorizadas, son habitaciones muertas donde entras y no puedes salir. Quiere crear una sensación de vacío. 

Según Schneider, una habitación es como una segunda piel y, en realidad, es así. Es como la ropa que nos ponemos, la elegimos y la modificamos a nuestro gusto, y en ella se ve reflejada nuestra personalidad. También explica que las paredes, y las habitaciones sin ventanas son intemporales. Cuando nos encontramos dentro de la obra de Schneider perdemos la nocion del tiempo, del espacio y de la realidad, es como entrar en su mundo interior, el cual me parece sombrío e inquietante al analizar sus gestos y expresiones cuando el entrevistador le pregunta algo más íntimo. Parece como si hubiera vivido alguna experiencia horrible en el pasado, y sacara al exterior sus demonios con sus obras.

El estilo de Koons es todo lo contrario, lleno de color y optimismo sus obras son una alegoría a la alegría. Su arte es banal, actual, del día a día. Koons observa el mundo que le rodea y obtiene de él relaciones con su característico mundo. Por ejemplo, un paseo por el supermercado le sirve para inspirarle imágenes sugerentes que relaciona con la vida real. El morbo, el sexo, el desnudo y los cuerpos son temas muy presentes en su obra, así como el nacimiento. 

Pero el morbo no es el único punto en común con Schneider. Al igual que él, Koons refleja en sus obras experiencias vividas, como lo que él llama el rapto de su hijo. Éste suceso le llevó a crear obras como "El balancín dividido", que para mí refleja claramente lo que siente por la pérdida de su hijo, siente la injusticia y se aferra al arte. Pero Koons dice que el pasado no importa siempre que el futuro sea diferente, y su estilo es optimista y positivo. Utiliza un diálogo donde se incluyen las dos caras de la moneda: hablar del optimismo, pero también estudiar el lado pesimista de las situaciones, es decir, "lo que no es". En este sentido realiza sus obras de collage, porque según Koons, la fuerza y esencia del collage está en que existen infinidad de posibilidades de realizarlo, y ésto crea optimismo en el espectador. Ésta última idea me parece fascinante, porque abre mundos de posibilidades y permite que el espectador entre a formar parte de la obra, se crea una fusión entre obra y espectador bonita e interesante.

Comentario ARTE vs DISEÑO:

ARTE vs DISEÑO

Mesa Redonda con Lino Cabezas y Miguel Ángel Mila.

Se ha desplegado sobre la mesa el amplio tema que a muchos de nosotros nos perturba: arte vs. diseño.

¿El diseño es arte?

¿El arte forma parte del diseño?

Hoy en dia resulta muy dificil diferenciar estos 2 términos, ya que *el arte coloniza el diseño, el diseño coloniza el arte, y también se produce una fertilización cruzada entre los dos mundos.

El diseño parece un término más moderno, que muchos datan a finales del S. XIX, hablan de la Bauhaus como un símbolo de los "primeros diseños" o de *Tomás Maldonado como de los primeros diseñadores e importante teórico integrante de la gran escuelta de diseño de Ulm (Alemania). Pero el diseño tiene unos antecedentes muchisimo más antiguos, que se remontan al nacimiento de la escritura con las tablillas cuneiformes o a los manuscritos iluminados medievales.

El arte por otro lado, se define como tal mucho antes que el diseño. Pero en la actualidad los críticos y teóricos del arte mantienen muchas disputas acerca de qué es el arte en el S. XXI.

En mi opinión, siempre ha habido una lucha entre el arte y el diseño, como dos ramas de un mismo árbol que luchan por crecer más arriba y separadas la una de la otra, pero que inevitablemente se unen en muchos tramos de su crecimiento. Y es cierto que en estos días es muy complicado establecer características que definan cualquier cosa del mundo, porque las intrusiones y las contaminaciones se dan en todos los ámbitos de la vida.

En un principio el diseño se diferencia del arte en que presenta una *proyectividad que incluye una racionalización, un pensamiento, es previsible y programable. Existe en el diseño una metodología de proyecto, un camino que lleva a resultados de éxito. Al contrario que en el arte, donde *la expresividad es el factor más importante y donde entran en juego lo arbitrario, el azar o lo intuitivo.

Pero el diseño ya no siempre es tan meticuloso, y hace uso de las técnicas y características del arte, al igual que el arte también participa de una metodología y planificación proyectual.

En definitiva, *no hay jerarquías, hay vasos comunicantes. Ambas disciplinas se complementan, se contaminan, se combinan… Existe una interconexión entre ambas.

*Citas de las ponencias de Lino Cabezas y Miguel Ángel Mila.

Comentario ¿Qué es la pintura?:

Textos: 

Antesdeayer y pasado mañana o lo que puede ser la pintura hoy - David Barro

La pintura hoy - Toni Godfrey

 ¿Qué es la pintura?

Como punto de partida, estoy de acuerdo con la sencilla opinión que formula Toni Godfrey: la pintura es un impulso innato en el ser humano. En el texto se habla de la muerte de la pintura. Más que de muerte hablaría mas de un estancamiento, ya que hoy en día todo está visto y todo está hecho. O quizá de una muerte y una resurrección continuas. Ya que es muy dificil innovar, y más aún con un medio tan trabajado como es la pintura, si la comprendemos en su definición original: un cuadro sobre el que aplicamos pintura (sea cual sea el material). En el ahora que nos toca vivir, las nuevas tecnologías son la innovación, y la pintura está sufriendo un cambio y una evolución debido a la aparición de nuevos medios. Por eso el concepto pintura abarca ya muchos ámbitos que acaban de nacer, más allá del cuadro con pintura encima, tales como la performance, el video-arte, la ilustración, las instalaciones, etc. Todo se mezcla en un collage global, como expone David Barro. Personalmente, pienso que a cada rama se le debería dar un nombre propio, y analizarla por sí sola, y no querer incluirla dentro del sistema más primitivo del arte, que es la pintura, ni darle demasiadas vueltas. Es verdad que la pintura se deja influenciar por todas estas nuevas vertientes, y no por eso deja de ser pintura. Es una forma de evolucionar, y toda evolución es buena, siempre y cuando no se pierda la esencia. 

¿Y cuál es la esencia de la pintura? Muchos opinan que se puede definir con las obras de grandes maestros, y otros opinan que también las obras actuales, muy alejadas de las pinturas antiguas, definen la pintura. Hay infinidad de opiniones como personas existen en el mundo. Es imposible generalizar una definición sobre qué es la pintura debido a su gran evolución, por eso me gusta volver al estado primitivo de la cuestión, a ese impulso que nace de dentro de cada uno y que lleva a crear algo, bello o no, estético o no, formal o no, con estructura o no, eso dependerá de la opinión de cada uno.

Godfrey también habla de que la muerte de la pintura se debe a que comienza a existir para el comercio, para abastecer una demanda del público, o mejor dicho, de la gente con dinero que puede permitirse pagar millonadas por un cuadro. Antes la pintura tenía un fín, algo que contar, una idea que mostrar y crear un debate. Pero con el boom del mercado del arte, la pintura se convierte en un fin en sí mismo, pintar un cuadro por el cuadro, para luego venderlo, sin importar lo que se quiere decir o expresar con ese cuadro. La pintura se convierte en mercado. El fin es el comercio y el cuadro llega a ser mera ornamentación.

Pero todo esto son épocas, y según el contexto socio-cultural, se interpreta la pintura de una manera u otra. Todo cambia, y todo vuelve. Porque por mucha evolución que exista, una y otra vez se vuelve al pasado para traer lo antiguo al mundo moderno. De algún modo se recicla continuamente, aunque muchas veces sea imperceptible.

Hoy en día es muy dificil inventar algo nuevo, como un estilo nuevo, o hablar de algo que no se haya discutido antes. Por eso pienso que lo que está adquiriendo más importancia en cuanto a la temática a representar, es el yo, la importancia del individuo al crear una pintura. ¿Qué es lo que yo que quiero representar? Ya no se crean grandes y universales valores, sino pequeños e individuales. El llegar a una minoría con tu trabajo y hacer que sea valorado por unos pocos quizá sea mucho más logro que el que se haga universal y se desvalorice su contenido.

Por otro lado, en este mundo lleno de todo, donde obtenemos información acerca de lo que sucede en cualquier parte del planeta, y donde cada vez hay más negatividad, crueldad y malicia, la pintura juega un papel primordial en cuanto que es libre y cada vez más critica su alrededor. Se convierte así en un medio para expresar esa negatividad que nos imponen desde que nacemos. En un medio de comunicación que llega a la masa de una forma más auténtica o humana, porque otro ser humano la ha creado desde su propio interior y existencia. Quizá por eso la pintura siempre seguirá existiendo.

Resumen Danto:

EL FIN DEL ARTE SEGÚN ARTHUR C. DANTO

(José Luis Nuño Viejo)

En este texto, Danto explica de dónde viene la idea del fin del arte y de la narrativa del arte. Contrasta la época de la Modernidad, Postmodernidad, Contemporaneidad y Conciencia Posthistórica. Habla de la estética y la crítica del arte dentro de la historia del arte. Opina que debemos realizar una reconsideración y reinterpretación del arte. A la vez que presenta una analogía entre la filosofía y el arte. Todos estos conceptos enmarcados en la segunda mitad el S. XX, en la cual se produjo una revolución en la forma de interpretar el arte.


Danto opina que el concepto de arte y de artista emerge a partir del año 1.400 d.C. en la conciencia general de las personas. Fue cuando se produjo un cambio en cómo miramos y valoramos las imágenes y las obras que tenemos alrededor. Pero actualmente, habla del fin del arte, no de la muerte del arte. Es cuando el arte comienza a presentar una historia, un progreso con un principio y un fin, una narrativa en la que la propia obra cuenta algo. El arte, según lo entendíamos antiguamente, ha llegado al fin de su desarrollo, y ahora se mueve en un plano de conciencia diferente, es decir, concebimos el arte de otra manera distinta a como lo hacíamos históricamente. Por tanto, si la definición ha cambiado, también debería cambiar el nombre que le damos: no arte, sino otra cosa. El nuevo plano de conciencia en el estado Posthistórico es el ahora del S. XXI.
Pasamos entonces a una era Posthistórica en la que existen numerosos caminos para la producción artística, (el todo vale del presente). Ahora las definiciones antiguas en relación al arte ya no valen para definir y explicar el nuevo arte de la Postmodernidad. Todo cambia, todo evoluciona, incluso los conceptos mas arraigados en nuestra memoria.


Danto expone una analogía entre la filosofía y el arte. El paso de la filosofía antigua a la moderna fue cuando Descartes introdujo el concepto del yo, de mirar el mundo que nos rodea subjetivamente. En el arte pasa lo mismo, el arte premoderno representaba el mundo tal cual es (mímesis), mientras que el arte moderno representa el mundo tal cual lo ve el yo de cada individuo (representación). Según Greenberg, el cambio fue que antes la representación era lo más importante mientras que ahora queda en segundo plano, importa más la interpretación.

En el arte premoderno, cada estilo artístico aparece como una forma de rebelión contra el anterior, hasta que apareció el Modernismo (con Van Gogh o Gauguin según Danto), en el cual se asciende a un nuevo nivel de conciencia: ya no solo se copia el mundo, sino que es más importante hacer una representación de él, fijándose en lo que sentimos o en como lo representamos (estética de la obra o características técnicas). La Modernidad significa estrategia, estilo y acción (idea, concepto y proceso).

“En la narrativa moderna, el arte va más allá de su límite: o no es parte de la historia, o es una regresión a alguna forma anterior del arte”. Es decir, que el arte moderno está fuera de lugar, es o anterior, o posterior, está fuera de todo lo concebible hasta el momento. No se llega a saber que se está haciendo arte moderno hasta que los artistas se miran retrospectivamente y comprenden que están haciendo algo nuevo. Lo mismo ocurrió en la antigüedad, se producía arte, pero hasta que no se pensó sobre ello no se definió como arte (año 1.400 d.C.)

Ahora bien, el arte moderno es otra etapa más, con las características que definen a los estilos o periodos del arte. Pero el arte contemporáneo tiene una estructura de producción nunca vista antes en la historia del arte. Este cambio se produjo entre los años 60 y 80. El arte contemporáneo es el arte Posthistórico y se distingue por ser incapaz de señalar una dirección narrativa. A partir del año 1962 cuando surge el expresionismo abstracto, muchos estilos se suceden con velocidad (campo de color en pintura, abstracción geométrica, neorrealismo francés, pop, minimalista, arte povera, nueva escultura, arte conceptual, pattern&decoration, neoexpresionismo). Recientemente no hay normas que sigan un estilo concreto. “La productividad experimental sin ninguna dirección narrativa especial es la norma”.
Toda esta agitación hizo que los artistas accedieran a un nuevo nivel de conciencia: ya no hay diferencia entre una obra de arte y una cosa cualquiera (cajas de Warhol). Además, la obra de arte no tiene por qué ser algo físico, puede ser una idea (arte conceptual), por lo que ya no se podría enseñar el arte con ejemplos. Cualquier cosa podría ser una obra de arte y, para saber qué es el arte, habría que pasar de la experiencia sensible (lo que vemos y tocamos), a la experiencia del pensamiento (las ideas), por lo tanto, habría que volver a la filosofía. Aquí Danto propone entender el arte con paralelismos en la filosofía.

En el estado Posthistórico, el arte ha ascendido a la reflexión filosófica. Es la era del fin del arte. El arte nos invita a pensar sobre él, no para producir más arte, sino para conocerlo realmente. En los 60 se hizo de todo, hasta que estallaron los límites, y el arte mismo hizo que se reflexionara sobre él. “La pregunta filosófica sobre la naturaleza del arte surgió dentro del arte”, y ésta marcó el fin del Modernismo.


Antes del año 1.400 d.C. las imágenes no eran admiradas estéticamente, no eran concebidas como arte. Con la Modernidad, la estética fue introducida en el sentido del arte. Y Danto considera que con la llegada del fin del arte, la estética deja de ser parte de la esencia del arte. Pero su teoría del fin del arte también convive con la idea de que pueda seguir existiendo arte, y así lo manifiesta el comienzo del arte Posthistórico desde los años 60. La diferencia es que la crítica del arte Posthistórico es diferente a la del arte histórico.

La Modernidad fue la era de los manifiestos, que definen un tipo de movimiento y estilo. Los movimientos artísticos de la Modernidad se basaban en verdades filosóficas del arte, cada movimiento se apoyaba en una filosofía. La edad de los manifiestos introdujo la filosofía en la producción artística, y ésta filosofía consistía en una definición de la verdad del arte.

Con el fin de la Modernidad, se puso fin a los manifiestos y los artistas y el mundo del arte accedieron a un nuevo nivel de conciencia, a la verdadera naturaleza del arte. Según Hegel, antes el arte era una necesidad vital y producía una satisfacción plena. Ahora nos produce un disfrute inmediato y un juicio u opinión, estudiamos al obra de arte. “El arte nos invita a la contemplación reflexiva, pero no con el fin de producir nuevamente arte, sino de conocer científicamente lo que el arte es”.

Para Danto, el verdadero descubrimiento filosófico es que no hay un arte mas verdadero que otro, el arte no debe ser de una sola manera, todo arte es igualmente e indiferentemente arte. Y el Pop marco el fin de la gran narrativa del arte occidental al sacar a la luz la autoconciencia de la verdad filosófica del arte. La pregunta acerca de la esencia del arte vino en el momento adecuado de la historia, en la que se pudo llegar a pensar en una definición filosófica en la que todo tipo de arte tiene cabida (arte puro, ilustrativo, decorativo, figurativo, abstracto, antiguo, moderno, oriental, occidental, primitivo, no primitivo). Es el “todo vale” de la nueva concepción del arte. Ha llegado un punto en la historia en que hay tanto y de todo tan diferente que innovar es difícil. Por lo que en el arte pasa igual, y todo lo que se produce como arte, es considerado arte.
A partir de este punto, ya no hay direcciones artísticas que pueda tomar el arte, sino que hay infinitas posibilidades, “el arte puede ser lo que quieran los artistas y los patrocinadores”, en definitiva, el que tiene dinero decide lo que es arte y lo que no, se convierte entonces en mercado.

La nueva crítica propulsa que no hay un arte más verdadero o más real que otro (al contrario de lo que proponían los manifiestos). Un mundo pluralista del arte requiere una crítica pluralista del mismo. La crítica ya no depende de una narración histórica, de algo que ya se haya dicho anteriormente o de unas ideas ya establecidas sobre un estilo o una obra determinada; sino que hay que tomar cada obra en sus propios términos, las obras son individuales y así hay que valorarlas.

En la pluralidad de la época Posthistórica en la que vivimos, el artista no se limita a un canal creativo o a un solo medio de expresión (pintura, escultura, fotografía, video, performance, instalación, películas, música, libros, etc.), incluso reinterpreta y usa estilos y obras artísticas tradicionales. Este pluralismo marca el fin del arte e instaura conversaciones artísticas que no llegan al mismo fin o propósito.


Llegados a este punto, el concepto de museo y galería deben de reinterpretarse. En la Posthistoria ya no es necesaria la existencia de un objeto para que exista arte, por lo que el museo y las galerías ya no son esencialmente importantes para que exista arte y se difunda. Tendrán que acoplarse a esta nueva forma de entender el arte, evolucionar y modificarse. El artista, las prácticas de la historia del arte y la estética filosófica también deben evolucionar, “sólo así será posible que el arte desborde los estrechos límites del museo y las galerías, penetre en la materia de nuestras vidas y transforme y perfeccione la realidad del mundo”.

Trayectoria Sirem:

Alma Limpia. Alma Descansada. 
Proyecto final de carrera de diseño gráfico. Libro ilustrado de poemas.

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Cortar nuestro pelo consigue relajarnos. Podemos sacar fuera todos los malos sentimientos, (frustración, enfado…). Es como una terapia.

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